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Orchestra Filarmonica di Varsavia

Il Warsaw Philharmonic Orchestra ha dato il suo primo concerto il 5 ° novembre 1901 nel recente costruzione Philharmonic Hall. Questo concerto inaugurale è stato diretto da Emil Mlynarski, il primo direttore musicale e direttore principale della Philharmonic, e ha visto la partecipazione del pianista, compositore e futuro statista di fama mondiale Ignacy Jan Paderewski. Il programma tutto-polacco di questo concerto storico includeva il Concerto per pianoforte di Paderewski in La minore e le opere di Chopin, Moniuszko, Noskowski, Stojowski e Zelenski.

Questo concerto inaugurale è stato Orchestra diretto da Emil Mlynarski

La rapida ascesa del livello delle prestazioni della Warsaw Philharmonic attirò presto illustri artisti da tutto il mondo. Già prima della prima guerra mondiale e durante gli anni tra le due guerre si affermò come il principale centro della vita musicale in Polonia e una delle principali istituzioni musicali in Europa. Le esibizioni sono state date qui da quasi tutti i più famosi Orchestra conduttori e solisti della giornata tra cui Claudio Arrau, Edvard Grieg, Arthur Honegger, Vladimir Horowitz, Bronislaw Huberman, Otto Klemperer, Sergei Prokofiev, Sergei Rachmaninoff, Maurice Ravel, Artur Rodzinski, Arthur Rubinstein, Pablo Sarasate e Richard Strauss.

Durante i primi anni del dopoguerra l’Orchestra Filarmonica di Varsavia fu diretta tra gli altri Olgierd Straszynski e Andrzej Panufnik. Nel gennaio 1950 l’incarico di direttore e direttore principale fu affidato a Witold Rowicki, che iniziò a fondare una nuova orchestra. Nonostante le difficili condizioni di lavoro legate alla mancanza di spazio (i concerti sono stati offerti in vari palazzetti dello sport e teatri) grazie agli sforzi di Rowicki, l’orchestra ha riacquistato la sua posizione come ensemble leader in Polonia.

L’apertura del nuovo Philharmonic Hall di Jasna via sul sito precedentemente distrutta dai bombardamenti tedeschi ha avuto luogo il 21 ° 1955. Febbraio In quel giorno Filarmonica di Varsavia ha ricevuto il titolo della Filarmonica Nazionale, mettendo in evidenza il suo status di principale istituzione musicale della Polonia .

Le forze orchestrali furono trasformate e ingrandite.

Durante gli anni 1955-58 il direttore dell’orchestra fu Bohdan Wodiczko, un illustre promotore di musica contemporanea che collaborò, tra gli altri, con Arnold Rezler e Stanislaw Skrowaczewski. L’enorme successo ottenuto da spettacoli di 20 ° la musica secolo Orchestra ha portato alla costituzione presso la Filarmonica Nazionale della “Warsaw Autumn” Festival Internazionale di Musica Contemporanea, che nel tempo è diventato uno dei festival più importanti del suo genere al mondo.

Nel 1958 Witold Rowicki fu nuovamente nominato Direttore Artistico e Direttore Principale della Filarmonica, incarico che mantenne fino al 1977. I principali direttori ospiti dell’Orchestra furono allora Stanislaw Wislocki e Andrzej Markowski. Durante la direzione di Rowicki, tournée di Orchestra concerti stranieri e esibizioni in prestigiose sale da concerto in tutto il mondo divennero una caratteristica permanente dell’orario artistico dell’orchestra.

Il 1 °Luglio 1977, il posto di direttore artistico e direttore principale è stato assunto da Kazimierz Kord che ha ricoperto questa posizione fino al centenario della Filarmonica nel 2001. Dall’inizio del suo lavoro con l’orchestra ha posto l’accento sull’aumento del repertorio grazie al quale a fianco composizioni sinfoniche, programmi successivi delle stagioni artistiche presentavano lavori vocali-strumentali e operistici su larga scala e molti brani di musica contemporanea. Nuove iniziative hanno incluso il ciclo di concerti “The National Philharmonic presents”, registrato dal vivo e pubblicato da Polskie Nagrania e concerti tenuti dagli studenti della Academy of Music di Varsavia. Insieme a Witold Lutoslawski, Kazimierz Kord ha proposto l’idea di brevi festival di musica contemporanea incentrati sul concetto di un appuntamento per varie discipline artistiche.

Dal 2002 al 2013 il Managing and Artistic Director della Warsaw Philharmonic è stato Antoni Wit, che ha continuato la politica del repertorio del suo predecessore accrescendola con una maggiore presenza di musica polacca spesso eseguita da artisti stranieri. Sotto la sua bacchetta della Filarmonica di Varsavia ha registrato oltre 50 album, di questi quasi 40 per Naxos. Queste registrazioni di compositori principalmente polacchi (Karlowicz, Szymanowski, Lutoslawski, Penderecki, Gorecki e Kilar) hanno ricevuto diversi premi, tra cui un Grammy nel 2012. Nell’agosto 2013 ha concluso il suo incarico in una performance con la Warsaw Philharmonic (per la prima volta in la sua storia) al BBC Proms Festival di Londra.

Entro la fine del 2015 l’Orchestra di Jacek Kaspszyk

Dalla stagione 2013/14 il posto di direttore musicale e artistico, responsabile dello sviluppo dell’insieme e del repertorio della filarmonica e della scelta degli artisti ospiti, è stato ripreso da Jacek Kaspszyk. Il suo storico concerto del “Warsaw Autumn” Festival nel 2013, Orchestra con il pianista Krystian Zimerman, divenne uno dei momenti salienti del Lutosławski Year (programma: Lutoslawski’s Piano Concerto and Symphony No.3) e ha vinto il premio “Coryphaeus of Polish Music” nella categoria “Event of the Year”. Jacek Kaspszyk ha anche diretto i primi concerti della storia della Filarmonica in streaming online. Entro la fine del 2015 l’Orchestra di Jacek Kaspszyk aveva registrato tre CD: per Warner Classics – musica di Weinberg (2014), Brahms e Bach nelle versioni orchestrali di Schönberg (2015), così come per Deutsche Grammophon – Opere di Chopin, con Ingolf Wunder come solista (2015).

L’orchestra sinfonica della Filarmonica di Varsavia ha il merito di oltre 140 tournée nei cinque continenti ed è apparsa in quasi tutte le principali sale da concerto, dove è stata accolta dal pubblico e elogiata dalla critica musicale per le sue eccellenti e dinamiche esibizioni. L’orchestra ha anche suonato in molti prestigiosi festival internazionali tra gli altri a Vienna, Berlino, Praga, Bergen, Lucerna, Montreux, Mosca, Bruxelles, Firenze, Bordeaux e Atene, così come i festival “La Folle Journee” a Nantes, Bilbao, Lisbona e Tokyo. La Filarmonica Nazionale partecipa regolarmente anche al Concorso Pianistico Internazionale F. Chopin, al Festival di musica contemporanea “Autunno di Varsavia”, al Festival “Chopin and his Europe” e al Festival di Pasqua di Ludwig van Beethoven. Registra per Radio polacca, Etichette discografiche polacche e straniere e compagnie cinematografiche. Dal 2016 r. La Filarmonica di Varsavia ha introdotto regolarmente online streaming di concerti selezionati.

Il film in opera e l’opera lirica, la musica, l’immagine, la tecnica e il metalinguaggio

opera
Naturalmente, solo nel XX secolo, le risorse di proiezione di film e video sono state incorporate per la produzione di un’opera. Qui di interesse lavori che sono stati originariamente progettati per l’uso di tali risorse, e non nei casi in cui le tecniche di imaging sono state semplicemente aggiunte alla struttura musicale. Le opere che vorrei discutere qui di seguito sono Lulu, Berg, di Rose e di Andriessen.
L’integrazione di un film in lingua opera del XX secolo è iniziato con Lulu, Alban Berg. Il compositore previsto che un film muto sarà visualizzato al centro del secondo atto, accompagnata da una musica scritta appositamente per questo scopo.

Contrariamente a quanto avviene normalmente nell’industria cinematografica, è il film che deve essere montato su musiche di Berg. Il film Lulu occupa un punto importante dell’opera. Si trova esattamente nel centro di lavoro. Dramatúrgicamente riflette la transizione tra la prima metà, che rappresenta l’ascensione sociale, economico e personale di Lulu e la seconda metà, in cui il declino del protagonista. La musica per il film, ha la forma di un palindromo, essendo un arpeggio del pianoforte (su e giù) determina il punto centrale nel punteggio e il punto centrale dell’intera opera. Questo gesto il piano rappresenta il momento di transizione, in quel momento imponderabile, nella vita, che, in caso di Lulu, si inverte la sua fortuna e la getta alla prostituzione.

Costumi scenici

costumi

Il film ha anche la funzione di informare lo spettatore della serie di eventi che si verifica tra le due metà dell’opera. Nella prima parte, ritrae il carcere, la condanna e l’incarcerazione di Lulu per l’omicidio del marito, il Dottor Schón; e nel secondo, retrogrado della musica della prima parte è combinato con le immagini che rappresentano la strategia di fuga, con l’aiuto della contessa Geschwitz, si sviluppa se stessa e Lulu rabbia, in modo da essere trasferito in ospedale, dove si è rifugiato, il cambio di identità con la contessa. La combinazione tra l’interludio strumentale composto da Berg e il film muto, dunque, si basa su un tipo di articolazione delle lingue (orchestral dodecafonica e film), che è caratterizzata dalla collaborazione di strutture o di segno diverso. C’è una tensione tra le strutture musicali palindromo, e la forma del film, le cui sequenze di seguire la linearità degli eventi (carcere, tribunale, il carcere, l’inquinamento, il ricovero in ospedale, e la fuga). Che dire, il film deve stabilire un “tensegrità” con la musica di Berg in loro vettori di significato, risultando in un sistema sinergico. Il film è prodotto soprattutto per il montaggio di Lulu al festival di Glyndebourne festival opera, in 1996,3 segue rigorosamente le istruzioni di Berg. Girato in bianco e nero, incluso nel loro immagini per il soprano Christine Schäfer, che stelle nel montaggio, e il mezzo-soprano Kathryn Harries (la contessa). Questo film è stato diretto da Matthew Richards, prodotto da Jackie Oudney e curato da Pietro Beston.

Scenografia teatrale

scenografia

Del film incorporati nell’opera, passerò ora a l’opera, concepita in lingua, viscerale film di Greenaway. Rosa, la Morte di un Compositore (1994 – paesi Bassi, l’Opera è stata composta dall’olandese Louis Andriessen, su libretto del regista, artista e scrittore Peter Greenaway. Rosa, la Morte di un Compositore è un’opera che parla di una serie di morti violente di dieci compositori. In tutto il sito non c’è una ricerca che riferisce come la prima vittima di un complotto: la morte di Anton Webern nel 1945.

Il secondo dovrebbe essere il John Lennon nel 1980. Tra quelle due morti, veritiere, Greenaway crea una serie di compositori fittizi. La sesta parte è la figura centrale dell’opera, Juan Manuel de Rosa, un uruguaiano che ha studiato musica a Parigi e che ha composto Il dramma musicale si snoda in dodici scene. La rappresentanza locale è un teatro, dove ha messo in scena un’opera che è la ricostituzione del reato. L’opera Rose è, quindi, su un’opera, il funzionamento, la metalinguistics che, nelle mani di Andriessen e Greenaway, non per la storia dell’opera, ma, ironia della sorte, con il cinema e la televisione, perché questa è un’indagine di polizia, la ricostruzione di un delitto. Il libretto è antinarrativo, gli elementi del dramma sono trattati come tracce dello spazio scenico, come la scena del crimine e i cantanti, che per il principio elencati freddamente i fatti e misteri del crimine, verrà gradualmente assumere il ruolo di protagonisti. Le voci principali sono tre, due soprano e un baritono che interpreta Juan Manuel de Rosa.

Sul teatro musicale e altre erbe

teatro musicaleIl teatro musicale (o-quanto-vuole-llamarse1 ) sembra ri-germogliare, e lo fa con forza e vigore vitamina in un tempo in cui le incertezze in agguato in più direzioni, e non c’è uno strano tipo di confusione che hai qualcosa di letargia. Tuttavia, il teatro musicale sembra vivere un momento dolce e si espande e si moltiplica, in discrete spazi o opulento teatri. Si dice che il fuso mal gestita come quella di un percussionista in un concerto sinfonico è stato impostato di rotolamento è il palco, accanto ad essa, una distribuzione di fantasia che ci fornisce la perfetta giustizia a monte, senza più, una buona accadendo. Una più, una “brillante” idea che urla a prendere la parola, anche se è non dire nulla o per spiegare che non sai cosa dire.

Orchestra nel teatro

orchestra

Poi abbiamo volato con lo slancio di un adolescente e senza soluzione di continuità dal già rotto e endogamous concerto di “musica contemporanea” il gesto teatrale è più esplicito, più sperimentale e post-postmoderno. Cosa vorresti dire ai genitori di ciò che è crudele, cattiva, sacro, il male, di nuovo soggettiva… –Artaud, Grotowski, Genet, Bernhard, Kantor… con tanto e variegato insieme? I motivi di tutte le loro grida di angoscia e silenzi sono ora rimosso, mescolato, intrecciati, esposti, proiettata, analizzato, operato, fuori contesto e lanciato in aria senza alcuna timidezza. Tutto è possibile dal grande aggeggio anti-teleologica e tabula rasa del post-ha dato il colpo di grazia finale. Poi venne il post-post e tutto è già sicuramente il benvenuto a questa felice carnevale di libertà creativa. Tutti?

No, in realtà, non è tutto. Per cominciare, è comunemente accettato che dimostra un minimo di affiliazione, una adesione prima di qualche punto nello spazio di una tassonomia con cui la nostra società spargimenti di qualsiasi parvenza di direzionalità. O dopo, quando il lavoro del passato è posizionato in qualsiasi luogo riconoscibile, pronto per un comodo degustazione di vini. Se un’opera come il Prometeo ” di Luigi Nono ci illumina ancora (anche se è già all’orizzonte), non solo per la sua indiscutibile qualità artistica, o perché in esso si riflette il suggerimento che la logica è il suono – 1 In questo gruppo di difficile definizione, io non includono la cosiddetta “musicale” di intrattenimento, il mondo anglosassone, appunto, comunemente chiamato come “Teatro Musicale”, o semplicemente “Musicale”, e che ha un’intrinseca, inevitabile componente di business e di mercato.

2 spazio di un giorno abbiamo bisogno di come mangiare, ma perché siamo riusciti a posizionare in un punto particolare del grande scena di estetica. E così che si respira in posizione tranquilla. È possibile, anche, per pianificare senza troppi rischi. Le porte del mercato aperto e saremo in grado di vestire la sua esperienza di musicista-architettonico, widget, infine, i precedenti storici, o la cui conseguenza è, di rabiosa è attualmente sperimentale, se vuole entrare lo spogliatoio dei vecchi modi…

Gli artisti devono cantare e ballare

ballare

Uno di questi percorsi ci aiuterà la tua osservazione come un oggetto di scena non genera domande ben al di là (l’al di là è costoso, in crisi e subisce tagli come in tutto il mondo). Se vogliamo “vendere” oggi, una performance musicale di viso panoramica può essere comodo appello a qualcosa la cui sostanza è quello di allontanare il più possibile la loro vera essenza e si sta avvicinando a una realtà costruita con i colpi dei media e della correttezza politica. Mi spiego: in alcuni casi essa non sarà sufficiente per il nostro lavoro di flusso in fase di spazio con facilità in un paio di forme e di suoni che “lavoro” a occhio nudo e l’orecchio; o, che articulemos un drammaturgo e uno stage di design interessanti e accattivanti; o che il discorso e il ritmo porterà a o spontaneo criticamente un luogo riconoscibile o inesplorati.

Non è sufficiente che la parola emerge con pieno senso –di essere con espressione rotto, intelligibile o con lo scopo di mettere in valore ciò che è strettamente suono attraverso la fonetica, attraverso il canto, o per il tramite di una sobria e misurata interpretazione di agire. Non sarà sufficiente che la musica ha un’innegabile qualità ed è il responsabile e guida una buona costruzione discorsiva tra le discipline coinvolte… Per questo ipotetico gioiello finitura in scenario in primo luogo osservare che l’interlocutore di primo grado –il promotore, istituzione, benefattore, sviluppatore o simili, immediatamente reindirizzare il nostro discorso e attacco con facilità utilizzando una nuova retorica che rendono possibile la “comprensione”.

 

Excalibur, una leggenda della musica, nel Teatro

excalibur

Nel gennaio 2012, la coppia Cibrian-Mahler sorpreso con la nuova start: Excalibur, una leggenda della musica. Con un cast integrato da più di 30 attori, cantanti e ballerini guidato da Juan Rodó Merlin. Martedì, 14 agosto, alle ore 21.30 mostra in tutta la sua gloria nel Teatro Gualeguaychu.

Excalibur è un pezzo in cui si evidenzia il talento di ciascuno dei suoi protagonisti, accompagnati da uno scenario maestoso, eccezionale costumi e una grande tecnica di distribuzione di luci e di effetti speciali, che coinvolge lo spettatore in un clima di storia medievale. Pieno di misteri che sostiene l’amore come valore supremo.

30 attori, cantanti e ballerini

 

attori
Più di un migliaio di persone hanno lavorato in totale nella preparazione di spogliatoi, laboratori di scenografia, spogliatoi, peinadores, scultori, i macchinisti, gli oggetti di scena, effetti di magia ed effetti speciali. Inoltre, questa produzione ha più di 600 manufatti in luce delle nuove tecnologie.

In scena Pepe Cibrian Angelo Mahler deciso di incorporare i nuovi componenti sono gli effetti speciali e la magia che si accompagnano a sostenere la narrazione della storia. Sono responsabile di un team di Trentuno e un gruppo di maghi.Trentuno è una società con una lunga storia degli effetti speciali, i suoi inizi sono stati accanto a Narcizo Ibañez Menta in tv in bianco e nero che la spaventano con “Il fantasma dell’Opera” o in “L’uomo che è tornato dalla morte.”Nel presente formano parte integrante delle celebrazioni del bicentenario nonché la riapertura del Teatro Colon, con l’opera “La Bohème” e il mega mostra Technopolis.

Teatro Gualeguaychu

teatro

Il libro, i testi, la messa in scena, e che la direzione generale di Pepe Cibrian Campoy. Le musiche Originali e le orchestrazioni sono di Angelo Mahler, la direzione musicale di Angelo e Damiano Mahler. Il paesaggio è di creativo Carlos Cifani, il costume è stato progettato da Pepe Cibrián e Cristian Bernardini.

Le coreografie sono incaricati di Rubén Collo. I cori sono sotto la direzione di Damián Mahler. La progettazione e la realizzazione di luci è di Pepe Cibrián e Tito Romero. Generali di produzione, di un Angelo Mahler, Julieta Kalik e Leo Cantone.

Excalibur conto delle gesta di Artù a prendere indietro ciò che vi darà il diritto di reclamare il suo regno, la spada Excalibur dopo la morte di suo padre Algac, Arthur deve supporre che egli è un Re. Questo permetterà di avere la guida di Merlin (Juan Rodo) e con il supporto della sua amata Guenevier. Arthur deve affrontare la strega Morgana (e il suo fratellastro Golbar) che, insieme con la madre cercherà di strappare la corona.